Стиль поп-арт впервые заявил о себе в Великобритании в 50-х годах ХХ века. Объединение молодых представителей творческих профессий — архитекторов, художников, критиков и писателей под названием «Независимая группа» сформировалось в 1952 году. Целью объединения было исследование технологий влияния популярной культуры — кинематографа, телевидения, рекламы, средств массовой информации на современное искусство.
Обращение к повседневности, как источнику вдохновения, явилось реакцией творческой среды на влияние и идеи абстрактного экспрессионизма, с их главными представителями — Джексоном Поллоком и Марком Ротко . В «Независимую группу» входили Джон МакХейл, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, Найджел Хендерсон, и Уильям Тернбулл, они впервые провели выставки, внедрившие идеи поп-арта в сознание общества. Первые работы нового направления представили Ричард Смит, Джо Тилсон и Питер Блэк.
Неизвестно, кто впервые начал использовать термин «Поп арт». Как правило, ссылаются на работы британского искусствоведа Лоуренса Эллоуэя, опубликовавшего в 1958 году эссе которое он назвал «Искусство и средства массовой информации». В этой работе впервые появились слова «популярная массовая культура», что соотносится к впоследствии ставшему повсеместно употребляемым, термину «поп-арт».
Автомобиль, расписанный Энди Уорхолом. В июне 1979 года этот автомобиль участвовал в автогонках в Ле-Мане. A car painted by Andy Warhol. In June 1979, this car took part in a car race at Le Mans.
КОГДА ПОП-АРТ СТАЛ ПО-НАСТОЯЩЕМУ ПОПУЛЯРНЫМ
В 1956 году в Лондоне в Галерее Уайтчепел состоялась первая выставка под названием «Это — завтра», где в центре внимания оказался коллаж Ричарда Гамильтона под названием: «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
На коллаже мы видим традиционную гостиную в британском доме, в интерьере которой однако, в изобилии представлены элементы массовой культуры — такие, как плакат с изображением обложки комикса, персонаж в облике культуриста, держащий огромный леденец на палочке с надписью POP, включенный телевизор транслирует развлекательную программу, лежащая на диване женская фигурка, отсылает к образам открыток Pin-up. На тумбочке торжественно стоит банка популярных консервов. Никогда ранее предметы бытовой повседневности, серийного выпуска и массового потребления не возводились в символ. Но если проанализировать это явление, оно покажется вполне органичным. Глядя на натюрморты малых голландцев, испанский натюрморт в жанре «бодегонес» или натюрморты Жана Батиста Симеона Шардена, мы видим ту же повседневную жизнь, только относящуюся к периоду барокко или рококо. Почему же, высказывались идеологи поп-арта, необходимо на живописных полотнах, изображающих повседневность, воссоздавать реальность, которая более не существует. Логичнее обратиться к современной действительности, которая необоснованно игнорируется мастерами искусств, но, в не меньшей степени, может послужить источником вдохновения, если научиться видеть в ней красоту.
Однако, наибольшую популярность стиль поп-арт завоевал приблизительно через десять лет уже в Соединенных Штатах Америки. Идеи поп-арта взошли на благодатной почве, предварительно подготовленной предшествующими событиями и влияниями. В условиях благополучной послевоенной жизни набирала популярность потребительская культура, множились развлекательные издания и индустрия развлечений в целом. Страна переживала экономический подъем, связанный с расширением нефтяной индустрии и изобретением новых технологий и материалов — в частности различных видов полимеров и нового метода спринклерного литья пластмассы в формы под давлением.
Мода менялась каждый сезон. Это была эпоха быстрого устаревания вещей. Культура передачи предметов была из поколения в поколения стремительно уходила в прошлое. Вещи становились доступными. В ходу был девиз «Купил сегодня — выброси завтра». Меняется статус традиционной семьи. Принятый ранее принцип совместного проживания нескольких поколений в одном доме в 60 е годы ХХ века уже встречается редко. Поэтому новое поколение, сталкиваясь с необходимостью обустраивать свое жилье, стремится к современной эстетике, отражающей новые ценности и идеалы. Подъем переживают и модные издания, содержащие крупный штат художников-иллюстраторов. Именно в этой области начинал свой творческий путь Эндрю Уорхола , более известный под псевдонимом Энди Уорхол.
Восковая фигура Уорхола в музее мадам Тюссо в Лондоне. Wax figure of Warhol at the Madame Tussauds Museum in London
В 1960 году он работал на компанию Coca-Cola и обновил для нее дизайн бутылок, созданный ранее Раймондом Фердинандом Лоуи. Работа американца произвела фурор. А сам Энди стремительно превратился в популярного и неординарного художника со своеобразными взглядами на искусство. Фигура Уорхола становится символом новой эстетики, а его творчество становится подобием индустрии, в которой происходит тиражирование произведений искусства. Его мастерская, где кипела самая разнообразная творческая жизнь неслучайно называлась «Фабрика». Влияние Уорхола сказалось на многих сферах жизни и искусства. Он впервые предложил использовать целлюлозные ткани для производства одежды, стал продюсером для группы The Velvet Underground, снимал фильмы, основал журнал Interview, открыл многие таланты в области современного искусства.
Самые знаменитые работы Уорхола — растиражированные методом шелкографии в ярких открытых цветах портреты — Мэрилин Монро, Мао Цзе Дуна, Ива Сен-Лорана, Элизабет Тейлор и других. При помощи многократного тиражирования изображений методом шелкографии, Уорхол стремился максимально разрушить связь между художником и его произведением. Знамениты также графические листы с изображением хорошо знакомой ему по работе в рекламном отделе модного журнала темой обуви, аксессуаров, огромные и безусловно, знаковые для автора, работы с кока-колой, долларовыми банкнотами и банками консервированного супа «Кэмпбелл». Есть у Уорхола и трагическая серия работ, где также тиражируются в разных вариациях изображения автокатастроф, электрического стула, скотобоен.
Другие известные американские художники направления Поп-Арт — Джаспер Джонс с его знаменитой серией интерпретации звездно-полосатого флага, Роберт Раушенберг, представивший в непривычном ракурсе современную ситуацию в мире, который вывел на новую ступень такие виды как трехмерный коллаж и ассамбляж.
Посетители осматривают крупнейшую в Канаде выставку работ легенды поп-арта Энди Уорхола на складе Yaletown в Ванкувере, Канада. Visitors inspect Canada’s largest exhibition of works by pop art legend Andy Warhol at the Yaletown warehouse in Vancouver, Canada
Джеймс Розенквист создавал свои яркие, излучающие позитивное настроение, живописные полотна в коллажной эстетике и ярких открытых цветах, где перемешались фрагменты рекламных плакатов — автомобили, красавицы, коктейли, потребительские товары. Эти работы буквально излучают радость.
Жан-Мишель Баския, самобытный автор, “сплавивший” в своем творчестве самобытную этническую культурную составляющую и уличное искусство, несколько работ создал в соавторстве с Уорхолом.
Рой Лихтенштейн по-новому прочел тему комикса. Он обратил внимание, что отдельный комиксовый фрагмент, извлеченный из контекста, может приобрести иное значение — драматическое, трагическое, эстетически самодостаточное. Работы писались в основных цветах — желтом, синем, красном плюс черный и белый. Техника выполнения большинства работ — холст, масло. При этом, имитировалась растровая сетка, свойственная дешевым изданиям.
Клас Ольденбург создавал скульптурные объекты, представляющие собою увеличенные предметы повседневности — гигантские ложки, ножи, скрепки, ластики, пирожные и гамбургеры. Его объекты вписаны как в интерьерные пространства, так и в экстерьер.
Еще один автор — Кит Харинг, проживший очень короткую жизнь, вдохновлялся уличным искусством, и прежде всего, граффити. Он автор таких знаменитых изображений как «лающий пес» и «сияющее дитя» Им основан всемирно известный магазин «Pop shop».
Говоря о мастерах поп-арта следует также упомянуть Тома Вассельмана, который, как и многие, был вдохновлен эстетикой рекламы, относящегося к более молодому поколению автора современного искусства Джеффа Кунса, тем не менее, близкого к эстетике поп-арта.
Также, близко к эстетике поп-арта творчество британского художника Дэвида Хокни, который, помимо прочих достижений, является популяризатором изобразительного искусства, будучи автором многих книг, в том числе, и для детей. Это живописец, график, сценограф, оперирующий намеренно трансформированным вариантом перспективы и открытым, ярким цветом, часто в корне отличным от предметного.
Питер Макс, безусловно стоящий в числе знаковых фигур эпохи, явившийся автором знаменитого мультипликационного фильма «Желтая подводная лодка», а также, дизайнером нескольких обложек виниловых дисков.
Более молодой автор, японского происхождения. Таданори Йоко, во многом находится под влиянием ценностных ориентиров философии Энди Уорхола. К этому примешивается, без труда читаемая эстетика традиционной японской гравюры на дереве Укиё-э.
Нельзя не упомянуть, также, о таком творческом дуэте , как Гилберт и Джордж, которые создают яркие светоносные, похожие на витраж, композиции
Сюрреалистическая скульптура американского поп-художника Роя Лихтенштейна в Барселоне (Испания), расположена на перекрестке набережной с улицей Виа-Лайетана. Surreal sculpture by American pop artist Roy Lichtenstein in Barcelona, located at the intersection of the embankment with Via Lajetana Street
ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ ПОП-АРТА
Это течение не предлагало какой-либо философии или четкой концепции, это был ряд перформансов и стихийных выставок, после которых новое направление искусства прочно утвердилось в арт-мире. Пожалуй, новым было отношение вещам, когда уходят такие критерии как функциональность, прочность, долговечность. Появляются вещи, несущие новые идеи. Эти предметы выполнены из полимеров, имеют яркие цвета, они легки и мобильны. Энди Уорхол впервые предложил использовать одежду на основе бумаги.
При определенных условиях такое платье носилось, в среднем, около десяти дней. Преимущественно это были платья, которые легко надевать и снимать — трапециевидная модель Baby Doll. Практика применения бумажной одежды не имела продолжения в мире моды, однако в медицинской и пищевой промышленности идеи одноразовой био-разлагаемой одежды применяются сегодня активно.
Что касается мебели, предметов в стиле поп-арт было разработано относительно немного. Прежде всего, ставшее иконой дизайна, кресло для ребенка дизайнера Петера Мурдока из гофрированного картона. Удачно выбранная конструкция давала возможность использовать этот предмет без опасений.
Позже этим же дизайнером был предложен картонный вариант стола, который за счет ребер жесткости сохранял стабильность формы, и позволял использовать несколько аналогичных элементов мебели в одном интерьере. В предметах интерьера стиля поп-арт обнаруживается непременное присутствие легкой иронии, эпатажа и провокации. Художники вдохновлялись продуктами массового потребления, известными артистами или общественными деятелями, логотипами известных брендов, обрывками газет, элементами плакатов. Яркие фигуры, неестественные оттенки, контрастные цвета. Объекты в коллажах не имеют четкой логической связки.
Посетители мадридского CaixaForum рассматривают фотографии на выставке Энди Уорхола «Уорхол. Механическое искусство», 2018 год. Visitors to Madrid’s CaixaForum view photographs at the Andy Warhol exhibition “Warhol. Mechanical Art”, 2018
В основе течения поп-арт был принцип стилистического формообразования. Например, Аллен Джонс создал предметы мебели с элементами полуобнаженных женщин в полную величину, тем самым стерев границу между искусством и функциональным дизайном.
Знаковыми элементами работ в стиле поп-арт, стали яркие кислотные краски, наивные образы, смешение текстур, использование дешевых материалов, типа пластика, с которым, одним из первых стал экспериментировать Энзо Мари. Дизайн перестал быть серьезным.
В начале 70-х годов ХХ века на сцену выходит постмодернизм и антидизайн, как вариант радикальных концепций формообразования. Известный постулат «Меньше — значит больше», — классика архитектуры эпохи функционализма, Людвига Миса ван дер Роэ был переделан мастерами эстетики постмодернизма и звучал как «Меньше — значит скучнее». Предметы дизайна приобретали яркую индивидуальность и могли вписаться далеко не в каждый интерьер. Постмодернизм был в некотором роде, преемником поп-арта. Мастера дизайна постмодернизма вышли из экспериментальных союзов, таких как Мемфис п Алхимия. Наиболее заметными стали мебельные объекты Этторе Соттсасса, Гаэтано Пеще, Вико Маджистретти, братьев Кастильоне.
Они значительно расширили арсенал используемых материалов. Культовым объектом стало кресло «Sacco» (мешок) — мебель для сидения и лежания на полу, с ручкой для перемещения и наполненная одинаковыми пенопластовыми гранулами, которые легко повторяют форму тела человека. В интерьер приходят надувные предметы мебели и выполненные из мягкого полимера — полиуретана. В 1969 году начинается выпуск кресел «UP» и «DONNA» из полиуретана в вакуумной упаковке по проекту Гаэтано Пеше.
Такие кресла продавались в плоских вакуумных упаковках, а после открытия принимали нужную форму. Получили распространение и так называемые модули — комплексы для сборки внутри помещений, включающие необходимую мебель и оборудование, представляющие комплексное решение функциональной и эстетической составляющей.
КАК ИСПОЛЬЗОВАТЬ ПОП-АРТ В ДИЗАЙНЕ
В случае, если планируется использование элементов стиля Поп-арт нужно быть готовым, что такой интерьер будет напрямую ассоциироваться с личностью хозяина жилого пространства или ценностными ориентирами фирмы, если пространство общественное.
Элементы этого направления востребованы по сей день и находят свое индустрии, веб-дизайн. Везде, где нужна провокация, легкий сарказм, уместен стиль поп-арт.
Например, бренд Moschino часто прибегает именно к этому стилистическому решению в своих коллекциях. В предметах мебели этой эпохи респектабельность и статусность уступают свои приоритеты таким качествам как образность, яркость, непосредственность и юмор. Предметы, являющиеся репликами известных моделей 60–70–80 годов ХХ века можно приобрести и сегодня. В частности, они выпускаются фабриками Vitra и Cassina.
Техники коллажа, китча и рисовки из комиксов, как главные элементы поп-арта очень востребованы в дизайне социальных сетей, на рекламных носителях, например в плакатах или визитках. При оформлении жилых помещений стиль поп-арт часто выражается в виде ярких акцентов и цветового зонирования. Также в этом интерьере можно предусмотреть мягкие комфортные предметы ярких цветов. Нужно быть готовым к тому, что поп-арт не ориентируется на понятие хорошего вкуса, а напротив, реабилитирует китч. Поэтому не стоит выверять по цвету колористическую гамму интерьера.
Однако для того, чтобы цветовая концепция работала, нужно грамотно распорядиться цветовым контрастом поэтому если в интерьере предусмотрено большое число предметов, не связанных друг с другом по цвету, для потолка, пола и стен лучше выбирать ахроматические цвета. Так композиция интерьера будет собираться. В декоре отдается предпочтение ярким и дешевым материалам.
В качестве декора можно использовать пластиковую скульптуру, самостоятельно окрашенную в яркий цвет, постеры с мульт-персонажами, такими как моряк Папай, Олив, МиккиМаус, Симпсоны. Коллажи можно создать самим, распечатав на принтере ретро-комикс. Можно украсить интерьер плакатами Питера Макса или Милтона Глезера, а также, Таданори Йоко или современной интерпретацией гравюры укиё-э.
В целом, интерьер в эстетике Поп-Арта допускает множественные интерпретации и вариативность, так, чтобы каждый выбрал индивидуальную, подходящую именно ему, версию.
Словом, этот стиль не потерял актуальности, напротив, с течением времени занимает все более прочные, позволяя выделиться из толпы, привлечь внимание к объекту, внести бунтарский дух в ту или иную концепцию.
Банки из-под супа Кэмпбелла, произведение Энди Уорхола. Campbell’s Soup Cans by Andy Warhol
The pop art style fi rst made itself known in the UK in the 50s of the twentieth century. The union of young representatives of creative occupations — architects, artists, critics and writers was formed in 1952 under the name of “Independent Group”. The purpose of the association was to study the technologies of the infl uence of popular culture – cinema, television, advertising, and mass media on contemporary art.
Addressing to everyday life as to a source of inspiration was a reaction of the creative environment to the infl uence and ideas of abstract expressionism with its main representatives such as Jackson Pollock and Mark Rothko. The Independent Group included John McHale, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Nigel Henderson, and William Turnbull; they were the fi rst to hold exhibitions that introduced the ideas of pop art into the consciousness of society. The fi rst works of the new direction were presented by Richard Smith, Joe Tilson and Peter Blake.
It is unknown who fi rst started using the term Pop Art. As a rule, one refers to the works by the British art critic Lawrence Alloway who published an essay in 1958, which he called «The Arts and the Mass Media». In this work, the words popular mass culture appeared for the fi rst time, which correlates to the term Pop Art that later became widely used.
WHEN POP ART BECAME REALLY POPUPAR
In 1956, the Whitechapel Gallery in London hosted the fi rst exhibition titled “This is Tomorrow”, where the collage by Richard Hamilton entitled “Just What Is It That Makes Today's Homes so Different, so Appealing?” drew the most attention.
In the collage, we see a traditional living room in a British house, in the interior of which, however, elements of mass culture are represented in abundance. There is a poster depicting a cover of a comic. A character of a bodybuilder is holding a huge lollipop with the inscription POP. The TV is on showing an entertainment programme, a fi gure of a woman lying on the sofa refers to the images in Pin-up postcards. A can of popular canned food is solemnly situated on the bedside table. Never before had everyday household items, items of serial production or mass consumption been elevated to a symbol. However, if one to analyse this phenomenon, it will seem quite organic. Looking at the still lifes by the artists of the Dutch Baroque Era, the Spanish bodegones still lifes or the still lifes by Jean Baptiste Siméon Chardin, we see the same everyday life, only related to the Baroque or Rococo period. Why should, the ideologists of pop art spoke out, paintings showing daily life depict reality that no longer exists. It is more logical to turn to modern reality, which is unreasonably ignored by masters of art, but which, to no lesser extent, can serve as a source of inspiration if you learn to see beauty in it.
However, the pop art style gained the greatest popularity about ten years later in the United States of America. The ideas of pop art sprang up on fertile ground, which had been previously prepared by previous events and infl uences. In the conditions of a prosperous post-war life, consumer culture gained popularity, entertainment publications and the entertainment industry as a whole multiplied. The country was experiencing economic growth associated with the expansion of the oil industry and the invention of new technologies and materials, in particular various types of polymers and the new method of injection moulding of plastic in moulds under pressure.
Fashion changed every season. It was an era of rapid obsolescence of things. The culture of passing household items from generation to generation was rapidly becoming a thing of the past. Things were becoming available. The motto was “Buy today and throw it away tomorrow”. The status of the traditional family was changing. In the 60s of the twentieth century, the previously common principle of mutual residence of several generations in one house was already rarely met. Therefore, the new generation, faced with the need to equip their homes, strived for a modern aesthetic that reflected new values and ideals. Fashion publications with a large staff of illustrators were also experiencing an upsurge. It was in this area that Andrew Warhol, better known under the pseudonym of Andy Warhol, began his career.
In 1960, he worked for the Coca-Cola Company and updated the bottle design created earlier by Raymond Ferdinand Lowy for it. The American's work made a splash. As for Andy himself, he rapidly turned into a popular and extraordinary artist with peculiar views on art. The persona of Warhol became a symbol of the new aesthetic, and his work became a kind of industry in which works of art are replicated. It was no coincidence that his workshop, where the most diverse creative life was in full swing, was called “The Factory”. Warhol's influence has affected many spheres of life and art. He was the first to suggest using cellulose fabrics for clothing production, became producer for The Velvet Underground group, made films, founded Interview magazine, and discovered many talents in the field of contemporary art.
Warhol's most famous works replicated by silkscreen printing in bright open colours are portraits of Marilyn Monroe, Mao Tse Tung, Yves Saint Laurent, Elizabeth Taylor and others. With the help of repeated replication of images by the method of silk-screen printing, Warhol sought to destroy the connection between the artist and their work as much as possible. Also famous are the graphic sheets depicting the subject of footwear and accessories, which had been familiar to him since his work in the advertising department of a fashion magazine. Huge and certainly iconic for the artist are his works for Coca-Cola and the ones with dollar bills and cans of canned “Campbell” soup. Warhol also has a tragic series of works, where images of car crashes, electric chairs, slaughterhouses are also replicated in diff erent variations.
Other famous American Pop Art artists are Jasper Johns with his famous series of interpretations of the Star-Spangled Banner, Robert Rauschenberg, who presented the current situation in the world from an unusual angle, which brought such types as a threedimensional collage and assemblage to a new stage.
James Rosenquist created his bright, radiating a positive mood, paintings in the collage aesthetics and in bright open colours, where fragments of advertising posters such as cars, beauties, cocktails, and consumer goods were all together. These works literally radiate joy.
Jean-Michel Basquiat, an original artist, who “fused” an original ethnic cultural component and street art in his work, created several works in collaboration with Warhol.
Roy Lichtenstein interpreted the comic book theme in a new way. He drew attention to the fact that a separate comic fragment extracted from the context may acquire a diff erent meaning: dramatic, tragic, and aesthetically self-suffi cient. The works were completed in the main colours: yellow, blue, red plus black and white. The technique of performing most of the works was oil on canvas. At the same time, the raster graphic characteristic of cheap publications was imitated.
Claes Oldenburg created sculptural objects representing enlarged everyday objects: giant spoons, knives, paper clips, erasers, cakes and hamburgers. His objects are introduced both in interior spaces and in exterior ones.
Another artist, Keith Haring, who lived a very short life, was inspired by street art, and above all, graffi ti. He is the author of such famous images as “Barking Dog” and “Radiant Baby”. He founded the world-famous “Pop Shop”.
Speaking about the masters of pop art, we should also mention Tom Wasselman, who, like many, was inspired by the aesthetics of advertising, and Jeff Koons, the artist who belonged to the younger generation of contemporary art but who, nevertheless, was close to the aesthetics of pop art.
Also, close to the aesthetics of pop art is the creative work of the British artist David Hockney, who, among his other achievements, is a promoter of fi ne arts, being the author of many books, including those for children. He is a painter, graphic artist, scenographer who operates with a deliberately transformed version of perspective and an open, bright colour, often radically diff erent from the colour of a subject.
Peter Max certainly is among the iconic fi gures of the era. He was the author of the famous animated fi lm “Yellow Submarine”, as well as the designer of several vinyl covers.
A younger author, of Japanese origin, Tadanori Yokoo is largely infl uenced by the value issues of Andy Warhol's philosophy. Mixed in with this is the easily recognisable aesthetics of traditional Japanese Ukiyo-e woodcuts.
One cannot help but mention such a creative duo as Gilbert and George, who create bright light-bearing, stained-glass-like compositions.
CHARACTERISTIC FEATURES OF POP ART
This trend did not suggest any philosophy or a clear concept, it was a series of performances and spontaneous exhibitions, after which a new art movement was firmly established in the art world. Perhaps, it was a new attitude to things when such criteria as functionality, strength, durability stop existing. There appear things that carry new ideas. These things are made of polymers, have bright colours, and they are light and mobile. Andy Warhol was the first to suggest using paper based clothing.
Under certain conditions, such a dress was worn, on average, for about ten days. Mostly, they were dresses that were easy to put on and take off. It was a trapezoidal Baby Doll model. The practice of using paper clothing has not been long in the fashion world, but in the medical and food industries, the ideas of disposable biodegradable clothing are actively used today.
As for furniture, relatively few pop art items have been developed. First of all, it is the designer Peter Murdock's child chair made of corrugated cardboard. The item has become a design icon. The well-chosen design made it possible to use this item safely.
Later, the same designer suggested a cardboard version of a table, which, due to stiff ening ribs, maintained the stability of the shape, and allowed the use of several similar furniture items in one interior. In the interior items of the pop art style, the indispensable presence of light irony and provocation is revealed. Artists were inspired by mass-consumption products, famous artists or public fi gures, logos of famous brands, newspaper scraps, and poster elements. Bright shapes, unnatural shades, contrasting colours. Objects in collages do not have a clear logical connection.
At the heart of the pop art trend was the principle of stylistic shaping. For example, Allen Jones created pieces of furniture with elements of half-naked women in full growth, thereby erasing the boundary between art and functional design.
Iconic elements of works in the style of pop art were bright acid paints, naive images, mixed textures, the use of cheap materials, such as plastic, with which Enzo Mari was one of the fi rst to experiment. The design ceased to be serious.
In the early 70s of the twentieth century, postmodernism and anti-design appeared on the scene as a variant of radical concepts of shaping. The famous postulate “Less is more” by the classic of architecture of the functionalist era Ludwig Mies van der Rohe was remade by the masters of postmodern aesthetics and sounded like “Less is more boring”. Design items acquired bright originality and could fi t in with very few interiors. Postmodernism was, in a way, the successor to pop art. The masters of postmodern design left experimental unions such as The Memphis Group and Alchemy. The most notable were the furniture items designed by Ettore Sottsass, Gaetano Pesce, Vico Magistretti, the Castiglioni brothers.
They have signifi cantly expanded the arsenal of materials used. The Sacco chair (the bean bag chair) became a cult object. It is a piece of furniture for sitting and lying on the fl oor, with a handle for moving and fi lled with the same foam pellets that easily repeat the shape of a human body. Infl atable pieces of furniture and ones made of soft polymer, polyurethane, appear in interiors. In 1969, they started the production of the chairs «UP» and «DONNA» made of polyurethane in vacuum packaging by the project of Gaetano Pesce.
Such chairs were sold in flat vacuum packages, and after opening, they took the desired shape. The so–called modules or complexes for indoor assembly, which had all necessary furniture and equipment and which represented a comprehensive solution of the functional and aesthetic component, also became widespread.
HOW TO USE POP ART IN DESIGN
If you plan to use elements of the Pop Art style, you need to be prepared that such an interior will be directly associated with the personality of the owner of the living space or the values of the company if the space is public.
Elements of this trend are in demand to this day and fi nd their place in industry, web design. Wherever provocation, light sarcasm is needed, pop art style is appropriate.
For example, the Moschino brand often resorts to this stylistic solution in its collections. In the pieces of furniture of this era, respectability and status give way to such qualities as imagery, brightness, spontaneity and humour. Items that are replicas of the famous models of the 60–70–80 years of the twentieth century can be purchased today. In particular, they are produced by Vitra and Cassina factories.
Techniques of collage, kitsch and drawing from comics, being the main elements of pop art, are very much in demand in the design of social networks, on advertising media, for example, in posters or business cards. When decorating residential premises, the pop art style is often expressed in the form of bright accents and colour zoning. Also in this interior it is possible to provide soft comfortable objects of bright colours. You need to be prepared for the fact that pop art does not focus on the concept of good taste, but on the contrary, rehabilitates kitsch. Therefore, it is not necessary to traditionally match the colours in the colour scheme of the interior.
As for decor, you can use a hand painted in a bright colour plastic sculpture, posters with cartoon characters such as Popeye the Sailor, Olive Oyl, Mickey Mouse, the Simpsons. You can create collages yourself by printing a retro comic on a printer. You can decorate the interior with posters by Peter Max or Milton Glaser, as well as those by Tadanori Yokoo or a modern interpretation of the ukiyo-e engravings.
In general, an interior in the aesthetics of Pop Art allows for multiple interpretations and variability, so that everyone chooses an individual version that suits them.
In short, this style has not lost its relevance, on the contrary, over time it is taking more and more solid one, allowing you to stand out from the crowd, draw attention to an object, and introduce a rebellious spirit into a particular concept.
However, in order for the colour concept to work, you need to properly manage the colour contrast, so if the interior has a large number of items that are not related to each other in colour, it is better to choose achromatic colours for the ceiling, fl oor and walls. In this way, the composition of the interior will be assembled. Bright and cheap materials are preferred in the decor.